¿La Belleza es Subjetiva? Esto Dice La Ciencia

¿La Belleza es Subjetiva? Esto Dice La Ciencia

-Deborah, describa en una palabra qué significa para usted la belleza.

-Belleza significa apreciar el mundo con sensibilidad.

Inmediatamente supe cómo responder a esta pregunta porque había pensado en ello muchas veces. Desde mis estudios de estética y hasta hoy, el arte y la ciencia han sido el núcleo de mis estudios y un pilar esencial de mi profesión como comunicadora.

He reconsiderado cada una de las palabras que componen esta definición, y así es como entiendo "belleza", con "belleza" en mayúsculas. En resumen.

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La belleza es una percepción sensual del mundo.

Apreciación y valoración tienen dos significados. Son la apreciación, que es una interpretación simple, y el reconocimiento y la valoración, que es una interpretación más compleja y apela a valores individuales.

La belleza es sensible porque es sensual, evoca una respuesta emocional nacida del amor y el conocimiento.

Tanto la apreciación como la sensibilidad se dirigen al sujeto que experimenta el sentido de la belleza y, por tanto, la belleza es subjetiva.

El mundo es un objeto de aprecio. El mundo significa "todo lo que existe" porque todo es bello.

Unos días antes de la presentación de un nuevo proyecto en el que me había embarcado, me preguntaron qué significa para mí la belleza. El proyecto es un sitio web llamado The beauty observer. Este sitio web se inspira en las palabras del filósofo Francis Bacon: "La belleza está en el ojo del que mira". Efectivamente, la belleza está en el ojo del que mira porque no es un apego a las cosas, es subjetiva, la damos y la sentimos.

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En este nuevo sitio web escribiré sobre belleza a partir de dos de mis mayores pasiones: Ciencia y Arte. Todos los artículos que vea a partir de ahora serán nuevos y originales, escritos desde una perspectiva nunca vista. Hablaré de obras de arte y artistas que estoy deseando mostrarles. Encontrará artículos sobre ciencia y sobre la belleza que la ciencia puede mostrarnos. Hablaremos de lo extraordinario en lo ordinario, como siempre, pero nunca antes. Mostramos la belleza magnífica, descubrimos y conquistamos la belleza sutil.

Aunque L'Oréal está detrás de "The beauty observer", este sitio web no trata sobre cosméticos. Este sitio web sólo habla de "belleza" en mayúsculas, amplia y profundamente. Literatura, bellas artes, ciencias... Hablemos de todo tipo de conocimientos y de todos los ámbitos en los que existe la belleza.

Para apoyar este proyecto y perfilar sus avances, se realizó el primer "Estudio sobre las percepciones españolas de la belleza". Este estudio también se presentó en "The beauty observer", publicado hace unos días en Madrid. El estudio ha sido realizado por la agencia independiente de investigación de mercados Kuo Experience por encargo de L'Oréal España a lo largo de varios meses con más de 1.000 encuestados, de los que el 70,8% ha valorado la "naturalidad", la "actitud" (59,3%), la "subjetividad" (58,3%) y la "multisensorialidad" (utilizar los cinco sentidos, no sólo la vista) (54,7%), el conocimiento (53,6%) y la belleza interior (50,5%). También se incluyen algunas puntuaciones diferenciales para distintos niveles socioeconómicos, sexo, edad y municipio de residencia.

A primera vista, belleza puede parecer sinónimo de belleza superficial, pero nos estamos alejando de las definiciones coloquiales de belleza. Ya no vemos la belleza en términos simplistas y reduccionistas, sino que la asociamos a aspectos más profundos y holísticos. De hablar de belleza física a hablar de belleza inmaterial.

Pilar Parra, directora del estudio, explicó que este cambio de paradigma comenzó a raíz de la crisis de 2008, cuando empezaron a cambiar muchos valores, entre ellos el de la belleza. En su conferencia, Pilar Parra recordó el concepto de "modernidad líquida", término acuñado por el conocido sociólogo Zygmunt Bauman. Bauman definió el momento histórico actual como una época en la que las realidades fijas de la época de nuestros abuelos, como los empleos y los matrimonios para toda la vida, han desaparecido y han dado paso a un mundo más inestable y provisional que anhela lo nuevo. La flexibilidad se convirtió en una cualidad valiosa. En palabras de Bauman, "flexibilidad significa no comprometerse con algo para siempre, sino estar dispuesto a cambiar de actitud, de opinión, siempre que sea necesario". Esto crea una situación de liquidez. Como un líquido en un vaso, donde la forma del agua cambia incluso con una ligera presión. Y así ocurre en todas partes.

En este momento en el que nada parece permanente, en contra de las predicciones, parece tratarse más bien de experiencias, conocimientos, momentos y sensaciones. Aspectos físicos como el cuerpo (19,4%) y el rostro (15,1%) ocupan el último lugar en la encuesta sobre percepción de la belleza: la naturaleza ocupa el primer lugar (46,3%), los momentos felices el segundo (31,9%), el tiempo con la familia el tercero (26,6%) y el arte el cuarto (26,5%).

¿Y qué significa para usted la belleza?

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1- El concepto de belleza

La estética es una rama de la filosofía que trata de la naturaleza y la percepción de la belleza. Consiste en un análisis de los valores contenidos en las obras de arte y una reflexión filosófica sobre el arte.

Baumgarten definió la estética en 1750 como la "ciencia de lo bello", a la que añadió el estudio de la naturaleza del arte y su relación con la belleza y otros valores. La belleza es un sonido afinado, a diferencia de la fealdad o la disonancia.

Así que el concepto de belleza es un concepto filosófico, pero para los científicos debería ser una propiedad medible de la materia. La mente científica aspira a una lógica matemática que lo cuantifique todo y defina lo que es bello y lo que no. Buscamos la belleza absoluta como si fuera el cero absoluto de la materia, y podemos cuantificar esta separación de propiedades aumentando progresivamente el grado de fealdad de lo que se considera poco atractivo.

La antiestética es el rechazo de la estética establecida e introduce así el concepto de moda, que puede definirse como un concepto democrático de la belleza en un momento histórico concreto. Se puede deducir que el concepto de belleza es una propiedad variable, lo que está en contradicción con la cuantificación absoluta.

Dado que el concepto de belleza cambia con el tiempo, esta propiedad se analiza históricamente, por lo que siempre se extraen conclusiones subjetivas debidas a la idiosincrasia humana. Haremos que este viaje en el tiempo sea lo más natural y comprensible posible, utilizando un lenguaje fácil de entender.

Según Tomás de Aquino, lo bello es lo que agrada a la vista (quae visa placet), una teoría basada en el pensamiento griego clásico. Esto también puede aplicarse a otros sentidos. En el caso del sentido del oído, la belleza de la música es lo que agrada al sentido del oído. Y podemos ver que la belleza no es algo físico, sino algo subjetivo que se percibe por los sentidos.

La relación entre las matemáticas y la belleza se remonta a la escuela de los pitagóricos en la Grecia clásica. La primera parte de este ensayo se referirá principalmente a la belleza natural o física. En otras palabras, no se analizarán cualidades humanas como la expresividad o la belleza inmaterial, aunque sean inevitables en el análisis histórico.

Platón creía que la verdadera belleza reside en el alma. La belleza visible es sólo una manifestación de la verdadera belleza asociada a la bondad. Las cosas repulsivas se asocian con el mal. Por esta razón, las brujas eran representadas con cuerpos poco atractivos, directamente asociados a la fealdad. El mal es feo. Por lo tanto, todo lo que tiene que ver con el mal es feo y debe repugnar a los sentidos. Las brujas son propiedad del diablo y, según la enseñanza clásica, deben ser físicamente feas pero pueden parecer bellas para engañar al alma honrada. Esta cita pretende ilustrar la complejidad de nuestras asociaciones de bondad y placer con el concepto de belleza. La gran contradicción es que algo repulsivo se considere una bella obra de arte y nos proporcione placer.

Volviendo a la discusión sobre las brujas: En realidad, había hermosas brujas o chicas de las que se sospechaba que eran brujas. Los inquisidores decían que eran representaciones de fuerzas diabólicas que engañaban a la gente para controlarla. Por ello, muchos fueron sádicamente torturados y quemados en la hoguera. Estos actos sádicos se consideraban momentos de belleza. Otra característica de la belleza es considerar como tal lo que proporciona placer. Según las teorías del Marqués de Sade y von Sacher-Masoch, obtenían placer y satisfacción sexual del sufrimiento ajeno o del propio. Esto lleva a la contradicción de considerar la antiestética como belleza.

La belleza puede devolverse a la realidad considerándola una cualidad física de la naturaleza, sin relación alguna con las emociones o los deseos inferiores. Para los griegos, el estándar de belleza física era la armonía de las proporciones, la imitación de la belleza natural. En la naturaleza, la simetría es una cualidad muy importante. Se encuentra en las formas simétricas de los cristales minerales, las plantas, los animales e incluso los seres humanos.

Las personas con formas faciales simétricas y proporciones perfectas son atractivas. Los escultores griegos clásicos establecieron estas proporciones basándose en consideraciones naturales derivadas de las matemáticas. Las curvas son más atractivas que las líneas rectas, pero hay que respetar ciertas proporciones y abusar de ellas es peligroso. El hombre buscó la belleza de la naturaleza y trató de idealizarla como obra de arte.

Si se aplican estas teorías de la naturaleza al campo de la música, se llega a definiciones de la armonía y el origen de las notas, que están en perfecta relación matemática entre sí. No voy a repetir la teoría de la música. Si te interesa, puedes leerlo en trabajos anteriores [1]

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La estética romana adoptó la estética desarrollada por los griegos. Cicerón definió la belleza como orden y proporción y añadió el concepto de apariencia, entendida como la realización de lo atractivo y estimulante. Siguiendo a Platón, identificó otros dos tipos de belleza. majestuosidad" del personaje masculino y "gracia" del femenino.

Galeno dividió las artes en artes liberales y artes comunes. Entre las artes liberales, es decir, las artes de origen intelectual, la música pertenecía al quadrivium. Entre las artes vulgares, es decir, las que tienen su origen en el trabajo manual, estaban la arquitectura, la escultura y la pintura.

También existía el concepto de lo sublime, que se remonta al griego Longino y fue desarrollado por los romanos y más tarde por los románticos. Lo sublime es una actitud psicológica, independiente de la forma. La belleza es una cualidad que se encuentra en el objeto, y en lo sublime, la forma desaparece y uno se sumerge en ella. Esto nos lleva a la etapa del amor platónico.

La estética medieval estaba dominada por el cristianismo y su concepto de Dios. El arte se hizo más expresivo y menos dependiente de la belleza de las formas. El mundo fue creado a imagen de Dios, es decir, se divinizó el concepto de belleza. Las cosas bellas son imagen de Dios. Por eso es muy importante considerar el arte como un camino hacia la perfección y hacia Dios.

En el campo de la música, Boecio desarrolla la teoría de la escuela neopitagórica en su libro De institutione musica. La música es bella cuando sus sonidos siguen proporciones armónicas basadas en relaciones numéricas sencillas.

Santo Tomás de Aquino explica en su Compendio teológico que "la belleza consiste en la proporcionalidad, pues la belleza se deleita en la proporcionalidad". Para Santo Tomás, lo bello, que es esencialmente lo mismo, se dirige al intelecto, mientras que lo bueno se dirige a los sentidos. El bien es material y, por tanto, deseable. Lo bello no desea posesión y es inmaterial.

El canto gregoriano se introdujo en la Iglesia para restaurar la sencillez del prelado. La música se había vuelto demasiado compleja, con la búsqueda de la belleza a través de la polifonía y el uso de estructuras demasiado bellas que distraían del propósito original de la oración. La belleza sólo existe con Dios, y el hombre no puede competir con ella si no quiere cometer el pecado de soberbia.

Dante introdujo el concepto de amor en relación con la belleza y lo separó de los postulados teológicos anteriores. El concepto metafísico del amor es lo único que nos conduce a Dios. Los artistas crean grandes obras de arte inspiradas en el amor. El arte representa la naturaleza, obra de Dios, creada por el poder del amor.

El Renacimiento, definido como el renacimiento del arte, supuso una vuelta a la filosofía clásica grecorromana. Era una vuelta a la imitación de la naturaleza, y el número áureo se definía como un número con diversas propiedades proporcionales que podían encontrarse analizando figuras naturales, como los nervios de una concha o las hojas de algunos árboles.

Gerolamo Cardano, autor de De subtilitate (1550), cree que las cosas sencillas son más bellas porque son más fáciles de percibir. Las cosas complejas son desagradables porque son difíciles de entender. Sin embargo, si las entendemos, podemos disfrutar de ellas más que de las sencillas. Así pues, la belleza aumenta cuando se comprende a pesar de su dificultad. Nace el arte manierista y comienza el arte moderno, en el que las cosas se expresan no como son, sino como el artista las percibe.

Si aplicamos esta filosofía a la música, preferimos las obras sencillas, es decir, las encontramos bellas y sentimos placer cuando las escuchamos por primera vez. La complejidad de la música nos aleja de ella. Esto se debe a que no queremos tomarnos la molestia de entender la música, lo que a menudo se consigue mediante escuchas repetidas. Pero el placer de comprenderlo es mucho mayor y dura mucho más que una simple pieza musical que a uno ya no le gusta después de escucharla varias veces.

Giorgio Vasari fundó la nueva disciplina de la historia del arte como historia del desarrollo y el progreso al escribir una obra sobre la vida del artista italiano entre 1542 y 1550. De este modo, se puede comparar el concepto de belleza de una época a otra y analizar los cambios y las razones de los mismos. Surgió una nueva ciencia interdisciplinar que se inscribe en el marco de las ciencias sociales.

Giordano Bruno introdujo el concepto de relatividad en el arte. Para él, no existe la belleza absoluta, es indeterminada e indescriptible, depende del estado de ánimo y es capaz de evocar toda una serie de emociones, desde la atracción y la satisfacción hasta el amor.

Con la llegada del estilo barroco, el arte se volvió más artificial, extravagante, decorativo y complejo en su expresión. El gran dramaturgo inglés William Shakespeare afirmó que "el arte puede superar a la naturaleza añadiendo imaginación".

Peter Paul Rubens (1577-1640) está considerado uno de los más grandes pintores del Barroco. Sus figuras son de una sensualidad exagerada y encarnan a la perfección la estética barroca. Sus mujeres no son de belleza natural ni siguen las proporciones clásicas. Muestra la sensualidad de sus cuerpos, hasta el punto de degradar la belleza física. La imaginación del artista es más importante que la belleza plástica realista. La sensibilidad empieza a dominar a la estética.

La música barroca tiene en Bach una gran figura. Su música se basa en el desarrollo de formas sencillas y utiliza el contrapunto para lograr una musicalidad muy compleja. El arte barroco también puede parecer exagerado y poco sencillo.

Francis Bacon habla de la sensualidad en el arte. Asocia el arte al placer y lo separa de la belleza. La belleza se trata cosméticamente y el placer se trata en el arte hedonista. La pintura agrada a la vista, la música al oído. Según su razonamiento historiográfico [3], las artes marciales predominan en las sociedades jóvenes, la cultura en las sociedades maduras y las artes hedonistas en las sociedades decadentes.

En la Francia del siglo XVII estaba de moda la racionalización del pensamiento, el racionalismo científico. En el Siglo de la Razón, Descartes escribe sus Conferencias sobre el método (1637), base de la estética neoclásica, que se diferencia claramente del escepticismo del manierismo.

Gottfried Leibniz quiso unir racionalismo y empirismo, razón y sentido. El conocimiento de la belleza se basa en el gusto, que es instintivo. Sabemos que algo es bello, pero no sabemos por qué lo es.

El empirismo, que se desarrolló sobre todo en Gran Bretaña, era una antítesis del racionalismo francés. Valoraba mucho las sensaciones evocadas por la vista y el oído e introdujo el concepto de psicología del arte. La estética depende de la interpretación personal del espectador. La belleza debe residir en la mente del individuo, no en los objetos.

En Sobre el criterio del gusto (1757), Hobbes examina los criterios de belleza y descubre que dependen de factores subjetivos como la cultura, la edad y el temperamento del individuo.

Hume (1711-1776), en su Ensayo sobre moral, política y literatura, concluye: "La belleza no existe en la cualidad de la cosa en sí, sino sólo en la mente de quien la contempla, y cada mente percibe la belleza de forma diferente." Es posible que una persona perciba algo como feo y otra como bello, y cada cual debe conformarse con sus propias sensaciones sin tratar de regular las de los demás.

Sin embargo, esta sociedad siempre intenta introducir su ideología con fines comerciales o políticos.

En su obra Characteristics of Men, Customs, Opinions and Times (1732), el conde Shaftesbury distingue entre ética, es decir, bondad, y estética, es decir, belleza. Para él, el amor era ante todo belleza material, y a partir de ahí el proceso de alcanzar la belleza espiritual. El gusto se cultiva convirtiéndose en un aristócrata de los sentidos. Esto mejoraría la mente humana, armonizaría los sentidos y la razón, y mejoraría el bienestar social.

Así que cultivar el amor al arte es de vital importancia para la mejora de la sociedad. La gente necesita recuperar su conciencia ética y esto puede lograrse cultivando la estética. Los políticos deberían tenerlo en cuenta.

El racionalismo cartesiano francés dio lugar a la academia, la estética regular y el neoclasicismo. El empirismo británico era más imaginativo. La Ilustración levantó el velo de la verdad con la razón y la filosofía.

Estamos en el llamado Siglo de las Luces, en el que se introdujo el concepto de estética. Alexander Baumgarten fundó la estética como disciplina filosófica en su obra Estética (1750). Distingue entre lógica y estética. La lógica es abstracta, crea conceptos y los expresa con palabras. La estética es concreta, examina un objeto y no puede expresarse con palabras porque no puede traducir sensaciones. El estado de ánimo que evoca sólo puede compartirse.

Johann Winkelmann, el verdadero padre de la historiografía del arte, era un gran admirador de la cultura griega. En sus "Betrachtungen über die Nachahmung griechischer Kunstwerke" (1755) afirmaba que los griegos habían alcanzado el más alto grado de perfección en la imitación de la naturaleza y habían llegado a una perfecta mitificación de la belleza.

En el idealismo alemán, Immanuel Kant destaca por su influencia en el empirismo británico sobre el intelectualismo. Reconoció que el gusto es un producto de los cinco sentidos y de los sentidos en armonía, y trató de conseguir un gusto completo. El arte no proviene de lo que representa. Generalmente, lo que se representa conduce a lo que es importante, pero en el arte esto se invierte y lleva de la comprensión al sentimiento. El arte no tiene por qué representar la realidad.

Según Kant, la estética presenta una paradoja. Los juicios estéticos tienen una base universal común a la naturaleza humana. La estética es subjetiva, pero cuando se convierte en universal, desarrolla cierta objetividad basada en leyes naturales. La belleza natural es bella, y la belleza artística es una bella expresión de lo que es, como dice en la Crítica del Juicio.

Friedrich Schiller (1759-1805) parte de la idea de Kant de que lo bello se encuentra entre el sentimiento y el entendimiento. La belleza refleja la armonía de la naturaleza en la que los sentimientos se corresponden con la moral y alcanzan un estado de perfección. Las actitudes estéticas contribuyen al bienestar humano en la sociedad.

La música sigue los cambios estéticos de cada época. Del Barroco al Clasicismo, se recupera la melodía sencilla. Dado que no se menciona la música clásica griega, no se puede hablar de neoclasicismo en este periodo, como ocurre con las artes plásticas.

El clasicismo dio lugar al género clásico de la sinfonía, que expresa un tema claro de forma natural, en contraste con la música barroca, que hace hincapié en la ornamentación por encima del tema. Se puede establecer una relación entre el clasicismo en la música y el clasicismo en la pintura y la escultura que se imparten en la Academia de Bellas Artes. La defensa del arte clásico como puro. La Academia de Música se fundó originalmente para preservar la música clásica, de ahí su nombre.

Johann Fichte (1762-1814) sentó las bases del pensamiento individualista del Romanticismo. La mente crea sus propias obras estéticas a través de la imaginación. Frente al realismo, que supone que los objetos existen independientemente del sujeto que los percibe, surge el idealismo, en el que la realidad es producto del sujeto pensante. Se trata de un concepto importante para comprender la filosofía de Hegel y Schopenhauer.

El Romanticismo en las artes visuales surgió a finales del siglo XVIII y duró un siglo, de 1770 a 1870 aproximadamente. En la música apareció más tarde, a principios del siglo XIX y hasta principios del XX. En ambos casos fue una reacción al clasicismo y sus reglas estereotipadas.

Se originó en Alemania y el Reino Unido y su nombre parece derivar de roman (novela). El Romanticismo da prioridad al sentimiento frente al racionalismo de la Ilustración. Describe así sentimientos que no pueden expresarse con simples palabras y que requieren una sola novela, un roman, para explicarlos.

Una de las principales características del Romanticismo es la individualidad, el yo y el ego del autor. El arte revolucionario alimenta el nacionalismo como punto de bifurcación. En la época del clasicismo, el arte era universal, sin distinción según el país al que perteneciera el autor. Fue una reacción a la Europa unida propagada por Napoleón, que conducía a un país unido pero dominado por la cultura francesa.

La derrota de la ideología napoleónica dio paso al pensamiento nacionalista. Cada nación tiene su propio yo, su propia lengua, su propio arte. Pasamos de lo universal a lo individual. Se están fundando escuelas nacionales de música.

Georg Hegel (1770-1831) define la belleza como la "materialización del pensamiento". Para él, la belleza artística es superior a la natural porque en ella hay espíritu, es decir, libertad.

Distingue entre el arte libre y el arte servil, que ha perdido su libertad en aras de la decoración. La superioridad del arte libre reside en que toma del objeto la apariencia de verdad que tiene en realidad, y le da una realidad superior nacida del espíritu. La idea original se encuentra tanto en la naturaleza como en el arte, pero en este último es más fácil penetrar en ella.

El clasicismo es más natural, no se guía por los sentimientos. Expresa la mirada fría de la naturaleza. El Romanticismo confiere un espíritu vivo a los clásicos objetos inanimados. Una obra de arte provoca en nosotros no sólo placer inmediato, sino también pensamiento y reflexión. Genera juicio, pretende reconocer el espíritu que aparece en él y tomar conciencia de los verdaderos intereses del espíritu. Este es el valor de la filosofía del arte.

Hegel concede gran importancia al desarrollo histórico del arte. Divide este desarrollo histórico en tres etapas -el arte simbólico, el arte clásico y el arte romántico- como tres formas diferentes de pasar de la idea a la forma.

Esta forma de arte simbólico se encuentra en la arquitectura de culto egipcia, india y hebrea. Se considera el núcleo del arte. El hombre construye una forma y le da un significado simbólico. La forma no muestra a Dios, sino su aparición como morada.

Las formas artísticas clásicas crean un equilibrio entre forma y contenido. En Grecia se consigue una expresión holística de las ideas. La escultura es su forma de arte clásica, que expresa su espíritu absoluto en el arte. El arte es su religión, y sus estatuas se han convertido no sólo en una expresión de Dios, sino en Dios mismo. El arte había alcanzado su madurez.

El arte romántico rompe el equilibrio entre forma y contenido. La forma no puede expresar el espíritu, el contenido pesa más que la forma. El arte ha llegado a su edad. El arte se ha desmaterializado y ha pasado de la pintura, su etapa más material, a la música y la poesía, cuyas formas son inviolables e inmateriales. El espíritu ha trascendido la forma y ha alcanzado la libertad espiritual.

La obra de Eugène Delacroix (1798-1863) es un claro ejemplo del arte romántico. En La muerte de Sardanápalo, por ejemplo, combina erotismo y muerte. El espíritu romántico no se contenta con una visión fría de la naturaleza, sino que intenta contar una historia que despierte los sentimientos humanos. Los sacrificios de las bellas esclavas que el aparentemente indiferente sátrapa contempla en su lecho de muerte evocan un sentido de perversión erótica y sensualidad ante la muerte. El artista quiere reproducir este sentimiento en su cuadro.

El concepto de belleza se desvía de la norma clásica y busca una belleza ambigua en lo insólito, oscuro y tenso. No se trata de una negación de la belleza, sino de una perspectiva diferente. La belleza de las chicas de los cuadros va de la mano con el desgarro trágico, la sensación de fatalidad.

El Romanticismo aparece con un elemento descriptivo en la música, una forma de arte más bien inmaterial. La música no es bella por sí misma o por la pureza de sus líneas, sino que quiere expresar sentimientos. La música expresa estos sentimientos. De la sinfonía clásica al poema sinfónico, se trata, como sugiere el título, de un intento de contar una historia o un sentimiento a través de la música.

Para ilustrarlo, se ofrecen dos ejemplos. Una es la del compositor checo Zdenek Fibich (1850-1900). En su extensa obra para piano "Estados de ánimo, impresiones y recuerdos" [4] expresa con música su pasión por el amor. Impressions es la parte más original y erótica del ciclo. El compositor deja a su mujer y a sus hijos para reunirse con su aprendiz, casi 20 años menor que él.

El amor por la chica inunda la vida del maduro compositor, que intenta plasmar esta idea, este sentimiento, en música. En cualquier historia de amor, el amor carnal es lo primero que se quiere expresar. Un pintor lo habría hecho con una serie de cuadros de desnudos. Los músicos trabajan con procesos inmateriales, lo que les da más posibilidades de expresión. Las ideas se desprenden del objeto y manifiestan un sentimiento, una sensación.

La música puede explicar lo que las imágenes y las palabras no pueden. En el artículo mencionado, Fibich describe el cuerpo de la niña con todo lujo de detalles. Cabeza, ojos, cara, manos, cuello, sus pecas. No olvida las partes más eróticas de la mujer -su boca, sus muslos y sus pechos- y les dedica siete obras, sin faltar a la reverencia religiosa por el gran misterio de la mujer como fuente de sensualidad y de vida.

El músico romántico no sólo busca la belleza en la música, sino que también intenta explicar sus sentimientos. Estos sentimientos pueden ser expresiones de amor, como en el caso descrito anteriormente, o pueden expresar emociones reñidas con la belleza, como el miedo, el deseo, la venganza o la muerte.

El siguiente ejemplo es el cuarto movimiento de una de las obras maestras de Gustav Mahler (1860-1911), Das Lied von der Erde [5], cuya sección se titula "De la belleza".

Esta pieza se basa en un poema chino. Las chicas recogían lotos en la orilla del río. De repente aparecieron allí jóvenes y arrogantes caballeros montados en briosos caballos. Pero desaparecerían incluso más rápido de lo que aparecieron de repente.

La chica más hermosa, muy excitada y llevada por el anhelo, me mira lánguidamente. Luego se calma, vuelve a la realidad y experimenta una sensación de euforia que se disuelve como un sueño.

La música expresa sentimientos de fugacidad, ilusiones de belleza, bondad efímera que se desvanece con el tiempo y felicidad efímera. El Romanticismo añade trascendentalismo a la música clásica. La tarea de la música no era sólo dar placer, sino también hacer pensar al espectador.

Johann Friedrich Hölderlin (1770-1843) fue un poeta alemán que intentó unir sentido y razón en el arte. La belleza aparece en el arte, pero es fugaz, una impresión pasajera. La juventud huye, el amor huye, todo se mueve, cambia y se convierte en nostalgia de lo perdido.

Karl Rosenkranz (1805-1879) introdujo la fealdad como categoría estética en su obra "La estética de la fealdad". La belleza es la tesis, la fealdad es la antítesis; como síntesis da lugar a la risa, la fealdad es cómica y devastadora. No es difícil ver que la fealdad, como concepto relativo, sólo puede entenderse en relación con otros conceptos. Lo feo existe porque existe lo bello, y esa es una premisa positiva. Si lo bello no existe, lo feo no existe en absoluto. Porque sólo existe como su negación.

Sereno Kirkegaard (1813-1855) es considerado el padre del existencialismo. Concibió dos estados humanos: el "seductor", preocupado por la estética, y el "asceta", preocupado por la ética. Cuando el asceta busca a Dios, la religión se convierte en una ilusión y no se puede encontrar. El esteta vive en el momento, en un ciclo ineludible, en un reino de apariencias ilusorias que genera insatisfacción. Esto se convierte en desesperación, que se transforma en melancolía cuando uno no encuentra esperanza en este mundo. La melancolía se define como la desesperación experimentada estéticamente.

Para Schopenhauer (1788-1860), el hombre no sólo se reconoce externamente como un cuerpo, sino también internamente como una voluntad de vivir. Pero se convierte en una insatisfacción que conduce al dolor. El placer es sólo un cese temporal del dolor. El arte, especialmente la música, le ayuda a superar este dolor. Influido por la filosofía oriental, sostenía que la única solución era superar la voluntad de vivir, destruir el ego y alcanzar un estado cercano al nirvana budista [6], un estado de tranquilidad y paz mental. El arte era un medio para escapar de esta condición humana intrínsecamente infeliz, lo que conducía al trascendentalismo como experiencia religiosa.

Influido por estas ideas, Richard Wagner retrató en Tannhäuser a una figura romántica que vacila entre el amor terrenal y el espíritu, ambivalencia entre sentido y espíritu. Integró la música y el lenguaje poético, entendiéndolo como un matrimonio en el que el lenguaje era la parte masculina y la música la femenina, con el objetivo de crear una Gesamtkunstwerk.

Friedrich Nietzsche (1844-1900) cambió varias veces sus ideas sobre el arte. De joven se entusiasmó con la música de Wagner y las ideas de Schopenhauer, pero más tarde las rechazó, sobre todo porque Wagner compuso Parsifal como una ópera cristiana. Su estética está marcada por una rebelión contra la moral cristiana, que para él niega la vida.

A diferencia de Wagner, defiende una estética antirromántica y antigermánica y alaba el clasicismo. Defiende la relatividad de la belleza, que no existe por sí misma. Afirma que la obra de arte es el único consuelo para los sufrimientos de la vida. Como concepto de belleza, compara el acto sexual con la creación artística.

La revolución industrial desempeñó un papel importante en la degradación del arte. El esteticismo se convirtió en el precursor del modernismo. Fue una reacción a los cambios del comienzo de la era industrial. Reclamaba el utilitarismo, que era una consecuencia del materialismo que conducía a la fealdad.

John Ruskin (1819-1900) denunció la destrucción de la belleza y la vulgarización del arte por la sociedad industrial. La clase obrera estaba degradada y, para protegerla, defendió una función social para el arte. Abogó por la creación de arte por el pueblo, para el pueblo.

Su fascinación por la belleza de las jóvenes es bien conocida: en 1859, a la edad de diez años, conoció a su futura esposa en un jardín de infancia. Como escribe Kenneth Clarke [7] en su Ruskin Today (1964), tenía una idea infantil de la mujer, mitad gatita, mitad reina de las hadas, de la que retrocedía horrorizado ante la realidad. Valoraba en las mujeres una apariencia infantil que no se correspondía con su naturaleza íntima. Realmente apreciaba la belleza objetiva, pero se horrorizó cuando descubrió lo que realmente eran: su carácter.

William Morris (1834-1896) abogó por el arte funcional en el movimiento Arts and Crafts. El arte debe satisfacer no sólo las necesidades espirituales, sino también las materiales. Es un arte práctico, pero alejado de la producción industrial en serie y más parecido a la artesanía de los gremios medievales. No sólo debe ser bonito, sino también útil. Así comenzó la fase de socialización del arte.

En la época victoriana, a finales del siglo XIX, la sociedad industrial creó una clase obrera y, al mismo tiempo, una nueva clase social, la burguesía, que buscaba la ostentación como expresión de su estatus social para competir con la aristocracia. Esto condujo a la comercialización del arte con el auge de las galerías de arte a principios del siglo XX.

El arte se convirtió en algo que se podía comprar y vender, perdiendo su valor ético. Los comerciantes ganaban dinero con las obras de artistas geniales y se enriquecían con el don inestimable de la belleza.

Pero al mismo tiempo, la sociedad industrial subvencionaba a los artistas y las nuevas modas se difundían con facilidad. En este contexto, el arte decorativo del Art Nouveau surgió para satisfacer los deseos artísticos de las nuevas clases medias.

Sigmund Freud (1856-1939) estudió la estética psicológica del arte. El origen de la belleza es el mismo que el del deseo erótico. Los artistas eran narcisistas y reflejaban sus deseos en su arte como niños. El psicoanálisis permitió estudiar las obras de arte como si fueran sueños. Eran símbolos interpretados por métodos semióticos [8] de los que surgía la personalidad del artista.

El siglo XX nos ha dado una estética contemporánea. Una estética que recoge todas las herencias del pasado, pero que también intenta romper con ellas. Han surgido tendencias contradictorias y el concepto de belleza parece cambiar radicalmente de un estilo a otro.

La llegada de las nuevas tecnologías está cambiando la función del arte. La realidad se capta a través de la fotografía y el cine. Los artistas no necesitan imitar la realidad. Esto se debe a que ya se ha desvinculado de la fotografía y ya no puede combatirse con sus medios técnicos. Tienes que hacer algo nuevo, algo abstracto que el fotógrafo no pueda hacer.

La belleza ya no se expresa pictóricamente, sino en formas abstractas. Las emociones dominan el objeto y éste finalmente desaparece. Desaparecen las formas y surgen manchas de color y líneas difusas, difíciles de reconocer de forma puramente visual. El artista intenta captar los sentidos, lo inmaterial.

Estos cambios en la pintura se hicieron realidad gradualmente con la llegada del Impresionismo, que acabó dando paso al Puntillismo. La música siguió el mismo camino a través del Impresionismo musical, que se desarrolló en torno a Debussy (1862-1918). Según el compositor Pierre Boulez, Debussy fue un pionero de la música contemporánea. Sólo Debussy, con su tendencia a destruir la estructura formal existente de una obra, su retorno a la belleza del sonido por sí mismo y su abreviación del lenguaje, puede estar a la altura de Anton Webern.

Arnold Schoenberg (1874-1951) decidió romper con el pasado. Una vez alcanzados los límites de la tonalidad, decidió romper con ella y buscar la libertad total, la atonalidad. Ideó el estilo dodecafónico y buscó un nuevo sistema que diera sentido a la escala de doce tonos.

Al tratarse de un nuevo sistema de estudio, se encontró de nuevo sin libertad creativa. Rompió con una forma e intentó encajar en una nueva. La música perdió la armonía natural de la pintura figurativa y encontró una forma abstracta que creaba una nueva armonía basada en un nuevo sistema armónico diferente del de la naturaleza, pero que conservaba su rigor.

En comparación con la pintura, la música deformaba la línea natural pero conservaba su estructura clásica. Las nuevas figuras no eran directamente reconocibles. Sin embargo, siguieron la ley de la antimateria.

Las obras se volvieron abiertas y susceptibles de diferentes interpretaciones por parte del espectador. En las primeras etapas del arte, tenían un carácter figurativo. Como muchas personas eran analfabetas, se les podía enseñar a través de imágenes o de música explicativa que utilizaba la armonía de la naturaleza. La iglesia los utilizó durante mucho tiempo para atraer feligreses.

Los medios de comunicación han cambiado por completo esta situación, y además del uso de todo tipo de medios audiovisuales, en constante aumento, la gente también sabe leer, de modo que las artes visuales se han vuelto superfluas. Los artistas necesitan un arte imaginativo, más profundo pero menos directo, un arte abstracto que en general pueda interpretarse libremente y que requiera la cooperación entre el artista y el receptor.

La belleza ya no se encuentra en una obra de arte, un objeto o una partitura. Debe ser descubierto por el espectador. El espectador reconoce esta belleza exterior dándole su propia interpretación subjetiva.

Sin embargo, esta belleza no tiene la misma base natural que la belleza clásica. Es cambiante y cambia con el tiempo, con el individuo y sus diferentes estados de ánimo. Surgen tendencias, las llamadas modas, que suelen ser preferidas por la mayoría durante un breve periodo de tiempo. Lo que hoy es bello, mañana es terriblemente feo y anticuado. Más tarde, algo que antes se rechazaba vuelve y la gente lo encuentra hermoso. Surgen modas como el kitsch, que es la esencia fea de una deformación de elementos clásicos, consumistas y efímeros, o campamentos basados en el mal gusto que transforman elementos culturales serios en frívolos.

La sociedad se vuelve consumista y el placer adquiere un carácter social y se convierte en lo que conocemos como cultura popular. El arte pierde su carácter intelectual y se convierte en material. Se convierte en algo tan efímero como un suceso [9]

Vasily Kandinsky (1866-1944) fue uno de los pioneros del arte de vanguardia. Creó un arte universal cuyas formas están conectadas con el mundo espiritual a través de la sensibilidad y la percepción. Su definición de la belleza se encuentra en su obra Sobre lo espiritual en el arte (1911). La belleza es lo que surge de las necesidades internas del alma. La belleza es una belleza interior.

Este carácter abierto también se observa en la música. Ni el público ni a veces los intérpretes pueden permanecer pasivos. La mayoría de los oyentes, sin embargo, se niegan a participar en esta actividad; no están dispuestos a hacer el menor esfuerzo porque sólo son espectadores.

El marxismo también rompió con las ideas burguesas sobre la belleza e inicialmente trató de defender la libertad del arte y su internacionalización. Era un movimiento reaccionario contra el capitalismo y el nacionalismo. No existían la raza ni la casta. Todas las personas son iguales y tienen los mismos derechos y deberes.

Tales ideales siempre aparecen en las primeras etapas del cambio, pero pronto desaparecen. Cuando el régimen llegó al poder, se volvió aún más represivo que el régimen que derrocó. En particular, el arte de la época de Stalin estaba dirigido por el Partido Comunista, que imponía el llamado realismo socialista.

Este tema es importante como motivo de la película y se tratará en secciones posteriores, pero es crucial para comprender el concepto de belleza reconocido por los directores soviéticos.

El filósofo alemán Theodor Adorno (1903-1969), influido por el marxismo, cultivó la música atonal de joven. Escribió varios ensayos sobre música, relacionándola con complejos conceptos filosóficos. Sus escritos eran intelectualmente muy exigentes y difíciles de leer. Estas ideas eran incompatibles con los filósofos de la Escuela de Música de Viena, lo que llevó al filósofo a abandonar su carrera musical.

Platón escribió en su libro "Teoría de la estética": "El anhelo insaciable de belleza, con la frescura de lo que sucede por primera vez, ha encontrado una palabra para ello, pero es el anhelo del cumplimiento de una promesa".

José Ortega y Gasset (1883-1955) analizó el arte de vanguardia en su libro de 1925 La deshumanización del arte. Siguiendo las ideas y conceptos de Nietzsche sobre la sociedad de masas, muestra el carácter elitista del arte contemporáneo, un arte cuya belleza sólo es comprendida por una pequeña parte de las masas. Esto niega la igualdad de las personas y las divide en igualitarias y vulgares. El nuevo arte aspira a lo primero y se convierte así en una aristocracia del gusto.

La pérdida del elemento realista en el arte contemporáneo ha eliminado el elemento humano del arte naturalista. Esta pérdida del elemento humano ha provocado una desconexión entre el arte y el público, ya que se han perdido las referencias que constituían la base del arte clásico. Surgió una nueva forma de percibir el arte que sólo los iniciados podían entender. El arte se deshumanizó.

Este nuevo arte tampoco se basaba en las emociones como en el Romanticismo. La separación del arte y las personas creaba cierta distancia y permitía comprender los matices. La belleza debía separarse de los conceptos decorativos.

La escuela alemana de psicología, la psicología de la Gestalt [10], parte de la base de que el ser humano está condicionado por la cultura, que a su vez influye en la percepción de la belleza. Dado que el gusto carece de base científica, la estética es voluble en sus afirmaciones y sus valoraciones no pueden generalizarse. Todos tenemos una hipótesis de antemano para poder encontrar lo que buscamos en un objeto.

La mente está constituida por los sentidos, es decir, por la percepción o la memoria y la experiencia pasada. Esta composición tiene un protagonista que pesa más que los elementos que la componen. La suma de estos elementos por sí sola no conducía a una comprensión del funcionamiento mental. Entre el estímulo y su respuesta surge un todo integrado. Sería un axioma para entender que el todo es mayor que la suma de sus partes.

Podemos seguir analizando las distintas escuelas filosóficas modernas sobre el arte y la belleza, pero sus explicaciones son cada vez más complejas y difíciles de entender. Creemos que el carácter divulgativo de este trabajo es suficiente para comprender la dificultad de definir el concepto aparentemente sencillo de "belleza".

Por último, nos referimos al posmodernismo, una teoría que describe el fin del modernismo. Ven el fracaso del movimiento vanguardista y una vuelta a los fundamentos materiales tradicionales, al arte objeto, al arte por el arte y a la exclusión del trabajo social.

En cuanto a las diferentes perspectivas en esta búsqueda de la belleza, no incluimos la estética de culturas ajenas a nuestro ámbito cultural, ya que nuestra investigación se centra en el arte y la música del mundo occidental.

Se han ensayado muchas teorías filosóficas para definir qué es la belleza con la esperanza de encontrar respuestas.

Sin embargo, creo que es importante que los autores expongan sus conclusiones y reflexiones personales y que éstas sean siempre subjetivas y en ningún caso dogmáticas.

Una de las principales razones para escribir este documento es animar al lector a que no se quede indiferente, sino que se interese por sus propias reflexiones, sobre todo mostrando un espíritu crítico constructivo. Este debate crítico es muy importante para las secciones siguientes, de carácter más personal.

Al principio de este capítulo relacioné la definición de belleza con una cualidad física, pero a lo largo de estas páginas he visto que intervienen varios factores. Al principio de este debate definiremos la belleza física en el sentido clásico.

Para que quede lo más claro posible, me referiré primero a la belleza humana. Para ello, empezaremos por la belleza exterior, es decir, lo que se entiende por atractivo físico. Hemos elegido a las mujeres como símbolos de belleza natural sin emitir juicios sexistas.

En los concursos de belleza, la mujer más bella es elegida por consenso por un grupo de personas consideradas aptas para votar. Este estándar de belleza basado en la opinión general parece ser el más correcto. Por ello, asume siempre la honestidad de los votantes y elige a una persona con un rostro simétrico y proporciones perfectas derivadas del clasicismo griego.

La belleza de este tipo de consenso se armoniza a la perfección manteniendo la frescura de la diosa griega. Cuando pasamos de lo general a lo particular, podemos ver un tipo personal de belleza. Esto puede variar de una persona a otra, pero creo que en la mayoría de los casos la estructura básica no cambia mucho. En mi caso, me gustan las rubias, así que no soy discordante. Los diferentes colores no cambian las proporciones de la armonía.

Aquí introducimos un concepto muy importante para juzgar la belleza. Es la del amor [11]. Cuando se produce el fenómeno natural de que dos personas se atraen, el concepto de belleza se ve socavado por la emoción. Por este motivo, la evaluación debe omitirse en esta investigación primaria.

Cuando conocemos a personas atractivas en nuestras relaciones, admiramos su belleza física sin intervención emocional. Pero eso no significa que no deban aflorar sentimientos más íntimos. Si así fuera, nos enamoraríamos de todas las personas físicamente atractivas que encontráramos por el camino, lo cual sería un error. Para que surja el amor, debe haber una comunicación emocional mutua en la que el concepto de belleza se difumine.

Hay casos en los que se idealiza a una persona por su belleza física. En este caso, se crea un elemento imaginario de sentimiento, el llamado amor platónico, que no existe en la realidad. Este término, originario de Platón, se equipara popularmente con el amor a lo inalcanzable y se distorsiona para significar algo muy distinto de la teoría del filósofo griego.

Platón lo introduce en su obra El Banquete. El amor es el impulso que conduce al conocimiento y la contemplación de las formas de la belleza. Comienza con la apreciación de la belleza física pura y progresa gradualmente hacia la apreciación de la belleza espiritual, como la personalidad. Este proceso culmina en la realización del concepto de belleza como lo único bello en sí mismo. Esta es la idealidad del amor platónico, el amor a las formas o ideas inteligibles y perfectas. Pues el verdadero amor no se dirige al hombre, sino a la esencia trascendente de la belleza misma, que es inmortal y siempre igual a sí misma.

Si trasladamos este concepto de belleza física al campo de la música, el concepto es menos obvio, ya que se trata de un arte invisible. Sin embargo, mediante el análisis matemático, que siempre es importante para las profesiones científicas, es posible encontrar una relación natural de proporciones similar a la de la belleza material.

La mente científica, que intenta analizar, medir, clasificar y evaluar todo, cae en el error de simplificar el concepto de belleza. Sólo llega a decir que la belleza debe ser natural, debe obedecer a las leyes de la naturaleza. Puesto que el universo fue creado a imagen de Dios, todo lo que sigue las reglas de Dios es bello. Esto se debe a que Dios es visto como la belleza absoluta.

En la música, la belleza se consigue mediante las leyes de la armonía, analizadas científicamente por la acústica [12]. Cualquier sonido que se desvíe de estas leyes produce un sonido disonante y desagradable.

Si la belleza es la tesis, la fealdad es la antítesis. Porque si no hay fealdad, no hay belleza. Esto es lo que confiere a la belleza su poder. Tomemos, por ejemplo, la famosa película de Walt Disney La Bella y la Bestia.

La Bella conduce a la Bestia de la oscuridad a la luz y se convierte en su musa. En griego antiguo se dice μοῦσαι, mousai. En su origen, la Musa era la diosa de la música, y más tarde también de la poesía y otras artes.

De la palabra musa nació el museo como lugar para el culto a la musa y la presentación pública del arte y el conocimiento. La musa funciona como un medio del inconsciente, transfiriendo su poder a los demás y desarrollando el arte en su propio mundo mientras permanece en otro plano distante.

De este modo se puede lograr una síntesis. La bestia se vuelve noble y demuestra que hay belleza en ella, alcanzando así el segundo nivel de nuestra vaga comprensión del concepto de belleza.

Esta dualidad se encuentra en todos los conceptos que rodean al hombre. Cielo e infierno, ángeles y demonios, luz y sombra. Si un concepto no existe, su opuesto tampoco. Es el yin y el yang de la enseñanza taoísta [13] que muestra la dualidad de todo en el universo. En este caso, el yin es el elemento femenino, la tierra, la oscuridad y la pasividad, y el yang es el elemento masculino, el cielo, la luz y la actividad, con las funciones invertidas.

Siguiendo con el tema de esta obra, la música, vemos una dualidad entre la música tonal y la atonal, entre la música concertada y la disonante. Básicamente, en la música tonal, la disonancia se repite pero se disuelve rápidamente de nuevo en la tonalidad. Una característica de la música atonal es que estas disonancias no se resuelven. Se buscan sistemáticamente para corregir el sonido a los primeros signos de tonalidad.

Alberto Sarda, una de las personas que me inspiró para entrar en el mundo de la teoría musical, compositor y profesor en el Conservatorio de Barcelona, solía decir de sus composiciones: "Su música sólo sirve para la tragedia, no puede representar la comedia".

Cuando componía música trágica, Mozart no abandonaba la tonalidad y creía que la música debía seguir siendo bella, aunque las acciones y los sentimientos retratados no lo fueran. A lo largo de su desarrollo musical, intentó ser más expresivo. Lo que necesitaba otro tipo de música no se encontraba en el estricto cumplimiento de las leyes físicas que conformaban el sistema tonal.

Este afán de expresión también es evidente en la pintura y otras formas de arte. Para entenderlo mejor, se utiliza como ejemplo la música del compositor sueco Alan Pettersson (1911-1980). Su obra maestra es la Sinfonía nº 7, terminada en 1967 [14]. Esta obra le convierte en uno de los más grandes compositores de todos los tiempos, sucesor de Mahler y Shostakovich. Algunos críticos le han llamado el Shostakovich sueco.

En esta pieza, la música se utiliza libremente, mezclando elementos atonales y semitonales con la tonalidad para crear una música expresiva y dramática. La primera mitad de la pieza desarrolla una sensación de desolación y de tremendo dramatismo que no puede expresarse con palabras. La música consigue lo que las palabras no pueden.

Justo antes de la mitad de esta pieza, escrita en un gran movimiento, se produce un punto de inflexión. Es una mezcla de resignación y dicha. La música está interrumpida por una amplia gama de frases compuestas por elementos tonales. Es, como dice el compositor, "una canción cantada por el alma". A los momentos de nueva tensión responden frases emotivas, una especie de lucha titánica que nos conmueve tanto que los ojos se nos llenan de lágrimas en cuanto nos damos cuenta de lo que el compositor quiere transmitir.

Cuestiones técnicas aparte, ésta es una obra que debe analizarse con el corazón. Llamamos al corazón el "corazón" en el que residen realmente los sentimientos. El corazón es sólo un músculo cuya función es hacer circular la sangre a las órdenes del cerebro. El corazón está controlado por el cerebro, por eso las emociones y los sentimientos tienen que ver con el corazón y no con lo que hay que hacer.

En la obra de Pettersson, la aparición de la emoción añade un nuevo valor a la belleza de la música y hace necesario el uso de nuevos elementos musicales. Este nuevo elemento aparece ya en el Romanticismo, que combina la emoción y la belleza formal de la música. La belleza no sólo sigue las leyes de la naturaleza, sino que añade algo nuevo al ordenar los sonidos con ayuda de una escala cromática, lo que conduce a la atonalidad.

Para ilustrar gráficamente la necesidad de añadir un nuevo elemento al concepto de belleza, he utilizado una fotografía inspirada en la antigüedad griega de la obra de mi hermano Pere Lluis Serracanta titulada "Guerrero y esclava".

El arte de la fotografía, surgido en el siglo XX, es una forma de expresión que desbanca a la pintura. Su estilo artístico se basa en captar aspectos de la naturaleza, ya que en principio no es posible distorsionarla, como ocurre en la pintura o la música. La llamada fotografía artística se inspiró originalmente en el estilo fresco del arte griego clásico.

En la segunda fase, se añadió una nueva emocionalidad, que trataba de explicar la historia con una nueva forma de expresión, hasta llegar a lo que podría denominarse fotografía romántica.

Si analiza la fotografía adjunta, podrá compararla con un cuadro romántico. La altiva figura del guerrero expresa un sentido de masculinidad y propiedad, en contraste con la feminidad y sumisión de la bella esclava.

La belleza no es sólo una armonía de proporciones y líneas, sino también la adición de emoción. Este afán de expresividad, que en el arte fotográfico es al principio un esbozo del mundo real y dificulta así el alejamiento del realismo, conducirá a la abstracción en la pintura y al abandono del sistema tonal en la música.

Otra cualidad de la belleza es el placer. Las cosas bellas son las que nos dan placer. Cuando miramos un cuadro, cuando escuchamos música, cuando sentimos placer, diríamos que es bello. En el caso de la música, esta alegría es más fuerte porque pertenece a una categoría superior, más espiritual, y puede conmovernos y hacernos sollozar.

Una cosa que añadiría es la característica opuesta: la alegría del músico al componer o la alegría del intérprete al dar vida a una partitura. Un músico que conozco y que toca en un cuarteto de cuerda me confesó que siente una alegría especial cuando toca música atonal y que esa alegría desaparece cuando escucha pasivamente.

Cuando pongo mis pensamientos en palabras y escribo mi obra, siento una alegría mayor que cuando leo un libro. Esta alegría también puede experimentarse al intercambiar opiniones con los amigos. Aunque este intercambio de opiniones resulte contradictorio con el tema debatido. Es la alegría de la amistad, de los intereses comunes, de compartir la belleza. Por eso, a menudo buscamos personas dispuestas a compartir nuestros intereses artísticos. A veces no entienden nuestras intenciones y nos llevan a conclusiones erróneas, rodeados de torres de marfil.

Las personas con una formación académico-artística pueden rechazar el intercambio de ideas con legos que se inmiscuyan en su mundo.

Si se observa el fenómeno desde un punto de vista científico, se puede tener un problema si alguien sin formación científica intenta discutir un tema científico. Sin embargo, la situación es muy diferente. El método científico sigue unas reglas basadas en la educación básica necesaria. El método es experimental y se basa en la interpretación de fenómenos naturales. Dado que la especulación no forma parte del método, cualquier debate debe basarse en hechos y cálculos matemáticos para demostrarlos. En este caso, quienes no estén adecuadamente preparados podrían ser acusados de intrusismo.

En el mundo del arte, los aficionados tenemos ventaja sobre los profesionales. No nos dejamos influir por un academicismo a menudo distorsionado. Nuestra crítica, nuestra apreciación de la belleza, no se verán influidas por las normas convencionales. Además, los aficionados somos receptores y consumidores de obras de arte, por lo que tenemos derecho a criticarlas libremente.

Esta última palabra conduce al concepto de libertad [15]. Cuando escribimos, lo hacemos por amor al arte, con total libertad y sin intenciones comerciales. Los profesionales trabajan por un salario y dependen de un jefe o supervisor que dirige y orienta su trabajo. A menudo se les obliga a realizar tareas desagradables contra su voluntad, a menudo en situaciones de estrés y a veces en malas condiciones.

El artista libre depende únicamente de su propia voluntad y hace lo que le gusta y quiere sin presiones ni obligaciones. Esta libertad es realmente difícil de alcanzar en la sociedad materializada actual. Un mundo en el que hay que sacrificar la libertad para sobrevivir. Por lo tanto, tenemos el privilegio de ser libres para dedicarnos a lo que queramos, y debemos estar muy contentos por ello.

Para concluir nuestro análisis de los diversos aspectos de la belleza, consideremos su aspecto de impermanencia. Empezando por las artes plásticas, consideradas permanentes porque se ocupan de objetos físicos, se incluyen también las artes sensibles como la música y la poesía, así como el teatro. En ellos, la expresión física se limita a una serie de garabatos que se interpretan, se leen, se cantan y se traducen en sonido. El momento artístico, sus campanas

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Resumen

Alejandro

¡Hola! Soy Alejandro creador y editor de eldespachoclandestino.com. Si estáis aquí es porque como yo, sois amantes de la buena cocina y la vida saludable. Quédate conmigo y aprendes sobre este apasionante mundo.

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